Аня Леонард
«КРЕК! Разбить!» Звук удара вашей любимой вазы об пол.
Вы ищете виновника — ребенка, собаку или неуклюжего супруга, любой из которых вот-вот навлечет на себя ваш гнев. Возможно, это было землетрясение, и во всем виноват Посейдон…
Но что, если вместо того, чтобы смотреть на разбитую вазу как на поврежденный, теперь уже не существующий предмет, вы увидите в ней возможность показать ее прошлое? Показать ее трещины как нечто изначально прекрасное?
Действительно, если бы вы были поклонником японского искусства кинцуги, вы, возможно, даже пожелали бы, чтобы фарфор не так мягко коснулся земли. Ведь это дало бы вам возможность сделать его еще более очаровательным.
Кинцуги, также известное как Kintsukuroi (золотой ремонт), — это древнее искусство починки разбитой керамики с помощью золота, серебра или платины, чтобы подчеркнуть трещины, которые теперь являются частью истории предмета… а не замаскировать их.
Результат — мерцающие линии разломов на глиняном горшке — действительно впечатляет.
Но ценить ошибки и делать недостатки красивыми обычно не является первым шагом в истории искусства. Чаще всего главной целью является создание идеала, совершенства.
По крайней мере, именно так начиналось искусство Древней Греции.
Архаический период
Начнем, для простоты, с архаического периода, который обычно описывается как период между 800 и 480 годами до нашей эры. Это была эпоха, когда города-государства, или полисы, укреплялись, создавались колонии, а философия, как и ее занимательная сестра, театр, закладывали свои мощные семена.
Искусство также прогрессировало. Черты, которыми прославилось греческое искусство, уже начинали проявляться. Это было особенно верно в отношении свободно стоящей обнаженной статуи.
Первоначально сильно заимствовавшие позы и пропорции у египетских статуй, крупномасштабные скульптуры этого времени обычно делились на две категории: мужской Курос, или стоящий юноша, и женская Коре, или стоящая задрапированная дева.
Для этих статуй характерны «левая нога вперед» и «шлемовидные волосы» — очень стилизованный рисунок их локонов. Они также обладали «архаической улыбкой» — несколько снисходительной, если не сказать возвышенной ухмылкой, которая никак не связана с изображаемой личностью или ситуацией, но, тем не менее, встречается на большинстве статуй этого периода.
Прекрасным примером курои архаического периода, ок. 580 г. до н.э., являются Клеобис и Битон, хранящиеся в археологическом музее Дельф. Эти колоссальные памятники впечатляют своим весом и присутствием, напоминая зрителям скорее пирамиды, чем Парфенон.
Хотя на протяжении 6 века до н.э. человеческие изображения в скульптуре развивались во многих отношениях, желаемый результат был почти всегда один и тот же: создать лучшего, наиболее стилизованного, идеального человека.
Возможно, это не так уж удивительно, если принять во внимание цель их искусства. Архаическая скульптура чаще всего служила для посвящения богам или для обозначения могил. Другими словами, торжественные дела. Художественное самовыражение было менее важным мотивом, чем следование надлежащему ритуалу и традиции.
Кто знает, как боги восприняли бы хмурую статую, посвященную им?
Хотя попытки создать идеальное тело предпринимались еще до Персидской войны, они, пожалуй, были доведены до совершенства только после свержения Ксеркса. Конечно, Ксеркс не имеет к этому никакого отношения, он просто удобный маркер, отделяющий то, что искусствоведы предпочитают считать архаическим периодом от классического.
Классический период
Классический период, охватывающий примерно 157 лет, включает в себя расцвет и падение Афин, начиная с персов и заканчивая Пелопоннесской войной. Однако в промежутках между этими драматическими конфликтами Афины господствовали в экономике, политике и, что важно для данной статьи, в культуре.
Фактически, неоспоримое положение Афин позволило создать некоторые из самых известных и влиятельных произведений искусства. Афины стали всемогущими благодаря своей роли в так называемой Делийской лиге, которая изначально была добровольным объединением греческих городов-государств. Однако Афины заняли место лидера, захватили казну и на эти вновь обретенные конфискованные богатства построили вечное чудо — Акрополь.
Популярный государственный деятель Перикл просто взял коллекцию Делийской лиги, чтобы финансировать величайших художников того времени и прославить Афины и их богиню-покровительницу Афину. Теперь, имея такую цель, вы можете представить, что мастера, художники и скульпторы изображали совершенство и силу людей и богов… а не присущие им недостатки.
Ведь это были Афины пятого века!
Ничто так не иллюстрирует это стремление к идеалу и расчетливой красоте, как Поликлейтос из Аргоса, который сформулировал систему пропорций, позволяющую достичь художественного эффекта постоянства, ясности и гармонии.
Его бронзовый обнаженный мужчина, известный как Дорифорос («Копьеносец»), иллюстрирует эти идеалы, демонстрируя при этом свой знаменитый фирменный знак — позу Контрапосто, в которой вес переносится на одну ногу.
Но наш копьеносец также показывает еще одно интересное изменение в древнегреческом искусстве. Изображались не только религиозные или божественные личности, но и обычные люди, такие как возницы или дисконосцы. Это означало смягчение позиций, поз и более естественных ситуаций.
Другими словами, фигуры должны были быть идеальными, но в то же время человеческими.
А затем они пошли еще дальше. С 500 года до н.э. греческие художники начали вырезать, рисовать и лепить настоящих, реальных людей! Статуи Гармодия и Аристогеитона, установленные в Афинах в честь свержения тирании, считаются первыми такими общественными памятниками.
Этот шаг является решающим в переходе от совершенного идеала к чудесным недостаткам… потому что именно в недостатках мы способны распознать личность.
Любой, кто случайно нарисовал портрет друга, сопереживает этому затруднительному положению: Если сделать портрет слишком реалистичным, можно обидеться. Сделайте его слишком идеализированным, и ваша услужливая модель не будет узнана. Мы не можем себе представить, как справлялись с этой ситуацией портретисты королей и королев!
Однако один придворный скульптор, похоже, справился с этой задачей вполне удовлетворительно. Это был Лисипп, которого заказал не кто иной, как Александр Македонский, еще один великий покровитель искусств. Более того, бюсты Лисиппа и его создание «героической позы правителя» подчеркивают переход между классическим и эллинистическим периодами греческого искусства.
Эллинистический период
Эта последняя эпоха древнегреческого искусства обычно отмечается смертью македонского принца Александра Великого. Благодаря его великой империи ранее изолированные культуры вступили в контакт друг с другом, оказывая влияние на стили и сюжеты.
Искусство внутри региона стало более разнообразным и вобрало в себя вклад из новых орбит и колоний империи; греко-буддийское искусство прекрасно иллюстрирует широкомасштабное влияние этого сотрудничества.
Тем временем скульптура развивалась, становясь все более и более натуралистичной, как по позе, так и по сюжету. Теперь изображались простолюдины, а также женщины, дети и животные. Богатые семьи заказывали бытовые сцены и повседневные события для своих домов. Скульпторы больше не придерживались идей физического совершенства, предпочитая модели всех возрастов.
Наконец-то мы пришли к красоте недостатков в греческом искусстве.
Статуи отказались от самодовольных архаичных улыбок в пользу грубых эмоций, демонстрируя все — от любви до боли и смерти. Твердые позы сменились полными изгибами и поворотами. Тяжелые складки превратились в прозрачные ткани, открывающие детальные человеческие формы.
Искусство покинуло царство совершенного божества и достигло мира человеческой индивидуальности. Достаточно вспомнить «Умирающего галла» или «Лаокоона и его сыновей», чтобы увидеть боль и страдания простых смертных. Это не боги. Они даже не идеальные атлеты. Это статуи варвара и пожилого человека с детьми, исполненные уважения.
Настала их очередь достичь формы бессмертия как людей и показать свою (и нашу) историю… недостатки и все остальное.